! BEITRAG IN BEARBEITUNG !
Wir fassen im Folgenden die 7 Musikvorschläge zusammen, die wir in den 3 Workshops in Leipzig am 17. und 18. Februar gemacht haben: Der Kreis, Uganda-Stil, Mit Blöcken arbeiten, Grafische Partituren, Rhythmus im Gegensatz, Vorbereitete Instrumente und Zahlen als Rhythmus.
Mit einem kleinen Vorwort zum Beginn und am Ende einige Ressourcen und Links zu diesen Vorschlägen (Navigation mit [↑] und [↓]).
Bevor etwas
Zunächst zwei Überlegungen:
● Wir werden versuchen, Musik und Klänge ungewöhnlich, anders als auf die am weitesten verbreitete Art und Weise zu gestalten, zumindest am Anfang. Melodie, Tonhöhe und Harmonie sind zum Beispiel sehr gängige Denk-, Analyse- und somit Erschaffensweisen von Musik, aber wir könnten auch andere Parameter wie Klangfarbe oder Rhythmus hervorheben.
Wadada LEO SMITH häufig über Musik als “sound-rhythm”. Es gibt ein Wortspiel im Englischen, bei dem "sound" auch ein Adjektiv sein kann, wie in "sound health" (gute Gesundheit) oder "sound idea" (intelligente, vernünftige, nachvollziehbare Idee).
Henry KAISER “Rhythmus, Melodie und Harmonie waren schon immer die uninteressantesten Aspekte der Musik für mich. Ich habe mich schon immer mehr für Klangfarbe, Form, Timing, Raum, Leere, Struktur, Emotion, Farbe und Ausdruck interessiert.” Arcana III: Musicians on Music, John ZORN (Hrsg.), New York: Hips Road, 2008, S. 103].
● Wir haben im Sinn, dass wir nach dem Treffen in Paredes de Coura im Juli eine große Gruppe haben werden. Nächsten Oktober werden wir mehr als 20 Leute sein, die gemeinsam Musik machen: das verändert die Praxis und Organisation von Klängen.
Musikvorschläge
Der Kreis
Die Gruppe steht in einem großen Kreis (anfangs ohne Musikinstrumente, die aber später dazukommen können). Ziel ist es, kollektive Klangproduktion zu erforschen, bei der alle eine gleichberechtigtere Position einnehmen als hinter einem mehr oder weniger kontrollierten Instrument.
- Erstelle eine menschliche Schleife: Jeder Teilnehmer erzeugt ein Geräusch, wenn er die Strömung an einen Nachbarn weitergibt.
- Stufenweise Entwicklung, durch das Hinzufügen einer zweiten Ebene: Jeder Teilnehmer behält seinen eigenen Klang bei und fügt einen anderen Klang mit einem anderen Teilnehmer im Kreis hinzu.
- Organisation in verschiedenen Blöcken: Jede Runde kann besondere Anweisungen haben, die eine spezielle Farbe aufweisen.
Zum Beispiel 1 Runde mit kurzem lautem Ton, 1 Runde mit kurzem leisem Ton, 2 Runden mit langem Ton, wobei der erste im Crescendo ist, dann ein Moment wie “dieser Morgen” (in dem jeder so schnell wie möglich in seiner Muttersprache erklärt, was er heute Morgen getan hat), dann 1 Runde mit kurzem lautem Ton.
Uganda-Stil
Inspiriert von einer ugandischen Schreibweise (wir konnten sie im Netz leider noch nicht wiederfinden!), spielen Sie zwei Ideen durch:
- A werden 12 Noten regelmäßig gespielt
4 3 4 3 3 3 4 3 4 4 2 2, und wir wählen: 4 ist ein E, 3 ist ein A, 2 ist G. - B sechs Noten werden regelmäßig gespielt
5 2 1 6 2 1, wobei 5 ein C, 6 ein D und 1 ein tiefes E ist.
Rhythmisch: die 6-Noten-Formel (B) kann ein Takt im 6/8-Takt oder ein Takt im 3/4-Takt sein. Die 12 Noten von A sind doppelt so lang.
Harmonisch: Die gewählten Töne stammen aus der C-Dur-Pentatonik (oder der a-Moll-Pentatonik), wobei dem E jedoch eine leichte Betonung beigemessen wird.
Die Kodierung “eine Zahl = ein Ton” könnte anders verwendet werden.
Mit Blöcken arbeiten [↓]
Definiere und charakterisiere einige Klangblöcke – Musiktypen – und spiele mit ihnen nach Aufforderung oder in einer bereits geschriebenen Struktur usw.
Grafische Partituren [↓]
Das Spielen einer grafischen Partitur bedeutet, jedes Bild als Partitur zu interpretieren, eine visuelle Darstellung, die uns Anweisungen und Möglichkeiten zur Organisation von Klängen geben kann.
Rhythmus im Gegensatz
Spiele eine Note regelmäßig, jede im gleichen Tempo. Es sind Viertelnoten.
Irgendwann kann jeder eine Achtelnote einfügen und danach regulär mit Viertelnoten weitermachen.
Etwas wie…
Spiele und variiere Tonhöhe, Intensität, Spiele/Nicht-Spielen durch Gruppen, füge kleine Soli zum kollektiven Rhythmus hinzu usw.
Vorbereitete Instrumente [↓]
Durch Hinzufügen/Entfernen von Objekten, durch Handeln an anderen Teilen, können wir unser Instrument anders spielen und neue Klänge finden.
Zahlen als Rhythmus [↓]
Dieses Mal sind die Zahlen ein Code/Hinweis für den Rhythmus. Zum Beispiel wird “3” als “EINS, zwei drei” regelmäßig gespielt gedacht, aber nur das EINS wird mit einem Akzent gespielt.
Wir können verschiedene Zahlen für verschiedene Teile hinzufügen und kombinieren. In großen Gruppen wird im Allgemeinen ein kurzer Ton von jedem EINEM bevorzugt, um alle zu hören, aber einige der Zahlen können lange Töne haben.
Zum Beispiel könnte ein 3331+55+424 (ein Treffpunkt alle 10 Unterteilungen) mit den ersten 5 langen so dargestellt werden:
Nicolas, für die französische Nationalmannschaft (20. April 2026).
Einige Details
Mit Blöcken arbeiten? [↑]
Mit Blöcken zu arbeiten ist eine alte Methode der Musikproduktion (zum Beispiel wird Igor Strawinskys Musik oft als Blöcke analysiert) und eine sehr gängige (sequenzierte Musik, die mit Audio- und/oder MIDI-Daten in einer rechteckigen Einheit, einem Block, arbeitet, der auf einer Zeitleiste platziert wird, oder Pads, die Einheiten und Blöcke materialisieren). Viele Komponisten mögen plötzliche und potenziell überraschende Wechsel. Diese sind in der kollektiven Improvisation oft herausfordernd, daher mögen Improvisatoren sie auch. Siehe zum Beispiel John Zorns Kompositionstechniken, wie “Speedfreaks”, eine Hardcore-Miniaturkomposition, die bis zum Äußersten der Abfolge von kleinen Musikzellen geht, für die Band Naked City (die auch andere Kompositionsansätze erforscht), oder die Regeln von Improvisationsspielen wie “Cobra” (bei dem eine Person als Impulsgeber fungiert, die Ideen der Gruppe sammelt und organisiert, insbesondere mithilfe von Stichkarten), oder seine Karteikartenkompositionen (zu einem Thema erstellt die Recherche viele Karten – eine Karte, eine Klang “Sache” –, dann ordnet er sie und geht ins Studio).
“Speedfreaks” (Naked City) in Studio, und ein Live-Auftritt.
John Zorns Weg des Denkens in Blöcken, einige Erklärungen:
- über seine Kartenkomposition “Spillane” und Musik für Zeichentrickfilme (aus dem Dokumentarfilm Put blood in music, über New York, John Zorn und Sonic Youth, von Charles ATLAS, 1989, ca. 12:05-18:40);
- und hier mit einigen Auszügen aus der “Cobra”-Probe (aus der Dokumentation Am Rande, Teil 1, Weitergabe, von Derek BAILEY, 1992, ca. 20’01-29’06).
Grafische Partituren [↑]
Der 2. digitale Ausgabe auf PAALABRES Die Website “Artistic Practices in Acts, Laboratory of Research” enthält viele Ergebnisse und Beschreibungen sowie Analysen. „Der Einsatz von grafischen Partituren ist heute in äußerst vielfältigen Kontexten und ästhetischen Verhaltensweisen weit verbreitet.“ (PaaLabRes, 2017).
Es gibt so viele Beispiele… sehen Sie eine Art von Aufräumen und eine Liste, vor 50 Jahren gemacht und aus einer sehr klassischen und zeitgenössischen Musikperspektive, aber beeindruckend. Aber wir können über Treatise von Cornelius CARDEW (1963-1967, 193 handgeschriebene Seiten mit einer sehr wichtigen “keine Anweisung!”), und die von Fred FRITH (Anleitung durch Interpretation von Fotos, siehe die Aufnahme Stone, Brick, Glass, Wood, Wire (Graphic Scores 1986-96), I Dischi Di Angelica, 1999) und der Beginn des Interviews von Pascal PARIAUD.
Vorbereitete Instrumente? [↑]
John CAGE is a very well known composer, so the prepared instrument is very often linked to him. He has been developing the prepared piano since 1940. “The story of Cage’s invention of the prepared piano is fairly well-known. In 1940, while a dance accompanist at The Cornish School in Seattle, Cage was working mostly with percussion music. When one of the dancers, Syvilla Fort, asked Cage to write the score for her dance Bacchanale, she surely expected a percussion work. However, the concert was to be held in a space too limited for the battery of instruments that Cage typically used. All he would have at his disposal was a piano. The music he had in mind did not lend itself to the clear pitches of the piano, so Cage found a way to alter the piano to make it sound more like the percussion instruments he favored. He wedged bolts and pieces of weather stripping between the strings of the piano, muting the tone and creating more complex, inharmonic timbres. After this discovery, ‘I wrote the Bacchanale quickly,’ Cage recalled, ‘and with the excitement continual discovery provided.’” [James PRITCHETT, in “John Cage and the prepared piano: a twelve-year history in six parts”, 2007].
It is said that Erik SATIE put papers in the strings of the piano in 1913 (Le piège de Méduse).
Aber jeder, der Objekte hinzufügt/entfernt, der in einen speziellen Teil des Instruments eingreift, macht fast dasselbe: die Hand in der Schallöffnung des Waldhorns (bereits im 18. Jahrhundert bekannt und verwendet), die verschiedenen Dämpfer für Trompete oder Cello, Obertöne finden, Doppelklänge usw. Das Aufkommen elektrischer, elektronischer und digitaler Werkzeuge vervielfacht die Ideen (die elektrische Gitarre ist ein schönes Beispiel).
Wir können unsere Instrumente anders spielen und neue Klänge finden.
Zahlen als Rhythmus? [↑]
Zahlen können eine Tonhöhe anzeigen, aber auch rhythmische Anweisungen angeben.
Sagen wir, dass “3” für “eins, zwei, drei” steht, die regelmäßig gespielt werden.,
… mit Betonung auf der Eins: “EINS, zwei, drei”
… und ohne die zwei und drei wird nur die EINS gespielt…
Eine Reihe von Darstellungen mit dem Beispiel 3331+55+424 (ein Treffpunkt für alle 10 Unterteilungen),
mit allen Zählungen:
mit nur dem Akzent auf dem “EIN”:
mit den ersten 5 lang, alle anderen kurz: